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感知力即生产力

作为女性当代艺术家,细腻、敏锐而又强大的感知力是一切创作的初始。油罐艺术中心的《More,More,More》当代艺术联展已开幕,我们特别邀请其策展人朱筱蕤对谈三位参展的女性艺术家,从女性视角出发聊聊创作灵感,探索能量的可能性。

2020是一个特殊的年份,似乎每天我们都在自我提问“what if ”。这些以“如果”开头的问题在不同的时间性和时态上徘徊, 让我们对“过去”“现在”和“未来”这些时间观念有了颇具启示性的理解。我们在上海油罐艺术中心的展览《More, More,More》也正是在这样的语境下展开的。一些在通常情况下看似很简单的决定,譬如展览的开幕和闭幕日期等,加上了“what if”就成了一个变数,在不同环境的影响下需要随时变换。《More,More,More》把这些因和周遭环境发生关系而产生的变化视为展览本身的重要组成部分。 同时也提醒了我们(人类和非人类)永远都处于不同的“关系”之中,这些关系性和相互依存性是永恒不变的,也是需要我们持续关注的。因此我们把展览的策划过程想象为花园里的耕种,在不同的地理环境、气候、季节等条件下,要有不同的耕种手段,作品才能生根发芽,产生自己的生命力,从而在不同的时间点绽放或者凋谢。园艺本身也是倚仗经验和察觉力的工作,这和我们的策展工作方式很相似。在以批评理性主义为主的知识生产方式下,我们选择把多感官的身体置于中心,以打破单单将知识与视觉融合在一起的哲学传统,让意义重新附着在身体上。展览上的艺术家们,尤其是女性艺术家,无不致力于将艺术经验的领域开放给多样化的现象,从她们不同的环境和经验出发重新想象当代艺术的可能性。( by策展人 朱筱蕤)


张如怡——建筑废墟也是时代的“化石”

张如怡

Loewe 深色罗纹上衣、裤子

Samuel Guì Yang 绿色缎面拖鞋


瓷砖、混凝土及仙人掌在我的很多作品中反复出现。瓷砖一般常用于居室中的浴室和厨房,只是便于清洗,但两个地方却有着不同的沟通属性,厨房有其社会性,浴室则是自我身份的相处。瓷砖的分割和线槽形成的规整感也呼应了早期纸本作品中的精确网格。关于空间介入的实践我最早就是从居室的干预开始,逐渐延展至房间之外,再度拉扯回到我们熟悉的体量中。展示于去年个展“以为何处”中的暗色之物的系列,源自这几年我对“装修”概念的探索与实践。在城市拆迁的废墟中采集碎石,这些现实之下的人造粗石,质感粗犷、颜色灰暗,却拥有独特的厚重感,仿佛是见证时代变迁的“化石”。这些碎石与同为基础建设材料的混凝土所筑成的雕塑体组配,辐射出自然与工业、建设与拆除、个体与周遭环境间的隐秘关系,继而形成关于“后城市”的语境—沉默无光的碎石,恰恰印证了人类所处平庸与日常背后的离奇,以及城市变迁中个体的流动和抑制。同时,仙人掌作为隐喻的个体与成长于废弃之地的扭曲钢筋经过重新调度、嫁接、缠绕等“手术”后,规划出一片边界地带。或许是另一块如此仿造的碎石,提示出隐匿于叙事之中的矛盾与对峙,让光的背面被推覆于眼前。为什么是仙人掌呢?在我种植过程中发现,一方面,仙人掌外部的尖锐荆棘与内部的湿润柔软形成反差;另一方面,其漫长的生长周期与当下城市生活的快速流动格格不入,使得仙人掌潜移默化地变成了我的个人体察的隐喻。


张如怡

张如怡的moodboard


“生活中的逻辑”,主要围绕自我意识、物理空间、日常体察之间的隐秘关系而展开,从现实生活中提取时间切片和物质信息,捕捉、折叠、压缩、捏造出个体于日常现实之间相互指引与限制中情感瞬间的“物化”过程。即试图将人与现实,自然与工业景观之间主动或被动的作用力处理为话语装置,以物反问物、以空间质询空间,由此对抗平静。或者说是我在现实生活中所观察与提炼的关于人、物料、场所之间所包含着的日常映射,把个人放到一个更宽泛的可能性中进行刺探,对于当下的社会周遭提出疑惑与克制,即是对生活本身也是对自己的一次询问。


这次在与策展人朱筱蕤的对谈后也意识到或许我正在有意无意地制造一种距离,更倾向于个体的内在世界与迅速变迁之下的关系探讨,将体会的部分隐藏到物的背面,清除身体情感的直接性,在对峙的间距之下探索内在温度。


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